De que va todo esto

¿De qué va todo esto? Este blog no pretende ser más que un conjunto inconstante (espero que no incoherente) de opiniones surtidas. Pero recuerda:
"Las opiniones son como el agujero del culo, todos tenemos uno y creemos que el de los demás apesta."

viernes, 18 de octubre de 2013

Atom Heart Mother. La vaca más famosa del rock (I)

      Atom Heart Mother  es el disco de Pink Floyd que fue pionero en muchos aspectos: fue el primero que grabaron en los famosos estudios de Abbey Road, fue el primero en el que contaron con la colaboración de Alan Parsons como ingeniero de sonido, fue el primero mezclado en sonido cuadrafónico, además del estero tradicional, fue el primero en incluir una gran suite instrumental larga cubriendo una cara complerta (de hecho fue la canción más larga grabada sin cortes hasta entonces), fu el primero en incluir en su composición a un miembro externo al grupo, fue el primero en no incluir ni fotos del grupo en la portada, ni siquiera el nombre del mismo,... y en mi caso fue el primer disco de los Pink Floyd que escuché completo (antes, claro, había escuchado canciones sueltas, pero, como conjunto, como LP completo, este fue el primero que escuché).


     Sin embargo, y aunque tuvo éxito de crítica y público cuando se lanzó (por estas mismas fechas hace 43 años) en octubre de 1970, en muchos aspectos, resultó un disco fallido para la propia banda.


    En 1968 el director italiano Michelangelo Antonioni rodó en Estados Unidos una película titulada Zabriskie Point, y para la banda sonora decidió contar con músicos como Grateful Dead, los Youngbloods, o los Pink Floyd entre otros. Durante 1969, Pink Floyd estuvieron en Roma componiendo y grabando música para dicha banda sonora. Compusieron media docena de temas originales (e inéditos hasta entonces), aunque en realidad, en el montaje final, se incluyeron sólo tres temas (inéditos y originales, eso sí) de Pink Floyd: “Heart Beat, Pig Meat”, "Crumbling Land"  y "Come In Number 51, Your Time Is Up".

    Esta última no es otra cosa que una versión distinta (y regrabada para la ocasión) de “Careful with That Axe, Eugene”, porque el tema original que iba a cerrar la película (titulado “The Violent Sequence” de Richard Wright) fue rechazado por el director.

Sin embargo, los Pink Floyd lo aprovechaban todo, y The Violent Sequence sirvió de base –como una demo o una versión primitiva- para “Us and Them”, que luego se acabaría incluyendo en el mítico The Dark Side of The Moon, unos años más tarde.

     De hecho, otros temas no incluidos en el montaje final, como por ejemplo “Unknown Song”, sirvieron de germen para canciones posteriores de los Pink Floyd: el riff se acabaría incluyendo en Atom Heart Mother.

      Una vez volvieron a Londres, empezaron a reunir material que habían compuesto para la película de Antonioni, aunque no se hubiera llegado a grabar. Uno de estos no era más que la progresión de acordes que luego se convertiría en la melodía principal del disco y que David Gilmour llamaba “Theme for an Imaginary Western  porque Roger Waters dijo que le sonaba apropiada para la banda sonora de Los siete magníficos.

      Como solía ocurrir por entonces (y ocurriría con discos posteriores de la banda), los Pink Floyd interpretaban en directo estos temas antes de grabarlos, ajustando, añadiendo y quitando partes (que ellos llamaban “secciones” o “secuencias”), para ir dándole forma definitiva. De hecho este Tema para un Western Imaginario fue interpretado por primera vez en vivo el 17 de enero de 1970, en la Universidad de Hull.

     Finalmente, acabó saliéndoles un tema instrumental largísimo (de más de 23 minutos), que batió el record de tema más largo grabado sin cortes hasta el momento, pues agotaba todo el espacio disponible en una cara de un vinilo de 12 pulgadas: el mayor formato disponible por entonces.

      Cuando el disco se editó en octubre, Stanley Kubrick estaba rodando La Naranja Mecánica, y le encantó el disco, así que les propuso a los Pink Floyd utilizar parte del mismo en la banda sonara de la película. Sin embargo, los Pink Floyd, que habían acabado un poco desencantados de su experiencia con Antonioni, (les gustaba la idea de componer una banda sonora completa, como ya habían hecho antes con More y volverían a hacer después con Obscured by Clouds, pero no querían que un director eligiera parte de su música para incluirla, junto con otros autores, en una banda sonora) y le negaron el permiso.

      Kubrick quería utilizar el inicio de Atom Heart Mother en la secuencia inicial de La Naranja Mecánica. Ya sabéis, esa en la que aparecen Alex y sus dugos en el Korova Milk Bar bebiendo Moloko Vellocet, es decir, Lecheplus, leche con veloceta, o sea con drencomina, y preparándose para una nueva sesión de ultraviolencia. O sea, esta que podéis ver en el video. (Por cierto, por si no sabíais el origen del nombre del dúo inglés de los 90, ya lo sabéis: Moloko significa leche en ruso y en la Naranaja Mecánica -película y novela- se mencionaba su uso, como una droga.)


      Finalmente, ante la negativa de los Floyd, se usó como música de fondo el tema “Title Music From A Clockwork Orange” de Wendy Carlos, que por aquel entonces todavía no se había cambiado de sexo y aún se llamaba Walter Carlos. Pero si queréis saber como hubiese quedado la escena con la música de Pink Floyd, no tenéis que imaginarla, ya habido algún fan que ha hecho el montaje por vosotros, como por ejemplo el que se ve en este vídeo:




      Curiosamente, Kubrick finalmente si que logró incluir algo de Atom Heart Mother en La Naranja Mecánica: en la escena en la que Alex va a la tienda de discos (la Chelsea Drugstore, ahora ocupada por un McDonalds en la realidad), en la que conoce a las dos chicas a las que luego se lleva a casa para escuchar a Ludwig Van y practicar una sesión de metesaca, se puede ver, entre otras, la portada del disco en las estanterías.

     Realmente fue algo intencionado, pero nada especial, porque el resto de los discos que se pueden ver son también todos reales y de la época, aunque –en general- mucho menos conocidos hoy día. Incluso Kubrick se permitió incluir también una grabación de la banda sonora de su anterior película: 2001Una odisea del espacio.


      En cualquier caso, la grabación del tema fue muy laboriosa. Roger Waters y Nick Mason tocaron respectivamente sus partes de bajo y batería completas, los 23 minutos de una sola sentada, y el resto de los instrumentos se grababa por separado y se mezclaba luego.

     Fue la primera vez que se usó la una nueva mesa de mezclas de 8 pistas, con cintas de una pulgada,  y con Alan Parsons (que ya había actuado de ingeniero de sonido en el Abbey Road de los Beatles, pero esta sería su primera colaboración con los Pink Floyd) en los controles. Otro aspecto en el que fue pionero es que se mezcló y editó una versión en sonido cuadrafónico (el primero para la banda, y uno de los primeros discos cuadrafónicos).

      Por cierto, una curiosidad: debido a un error, en los créditos que se imprimieron en la carpeta disco, Alan Parsons aparece, mal citado, como Allan Parsons. Este error se ha mantenido durante años en muchas ediciones posteriores del disco, incluso en ediciones recientes en CD.

      Para marzo, ya habían acabado la grabación, pero nadie estaba muy contento con el resultado: sentían que le faltaba algo y estaban estancados porque no sabían que más hacer.

      Y es porque era un tema de rock progresivo, sin orquestación alguna. Algunos meses antes, el manager de la gira de los Rolling Stones les había presentado al escocés Ron Geesing, un compositor de música experimental y de vanguardia que ya había grabado algún disco. De hecho, a Roger Waters le gustaba tanto su trabajo que, por esa misma época, ambos estaban grabando un disco conjunto de música experimental, lleno de sonidos corporales, a los que llamaban biomúsica, que se acabaría publicando un mes después que Atom Hear Mother con el título de Music from the Body.

     Así que le encargaron a Geesin la tarea de orquestar y organizar un poco la suite de Atom Heart Mother. Geesing diría en una entrevista que “fue un montón de trabajo infernal, Ninguno sabía lo que querían, no sabían leer música.

       El caso es que Geesing compuso la parte orquestal y la parte coral, y por eso aparece acreditado como uno de los co-autores del tema, junto a los otros cuatro miembros de la banda. Era la primera y única vez que ocurría en un disco de Pink Floyd, salvo la inclusión, de Clare Torry como co-autora de "The Great Gig in the Sky" muchos años después y como resultado de un pleito. Pero esa es otra historia que podéis leer si os interesa en este otro post.

      La grabación de la parte orquestal, que se hizo en junio, tampoco fue fácil, Geesin no se entendía bien con los músicos de la EMI Pops Orchestra, y estos, a su vez, de formación clásica, despreciaban el trabajo de vanguardia de Geesin y más aún el rock de los Pink Floyd. Así que se pelearon, Ron Gessin se marchó enfadado y finalmente tuvo que ser John Alldis, el director del coro cuya interpretación se incluyó también en el disco, quien dirigiera a la orquesta durante la grabación.

      Una cuestión interesante es la del título. Obviamente el título de la suite que ocupaba toda la cara A del disco acabó dando título al disco completo, pero ¿de donde viene el título de este tema?

      Aparte del informal “Theme from an Imaginary Western” de Gilmour, que solo era un título de trabajo para una de las partes de la suite, los miembros del grupo comenzaron a titularla, provisionalmente, como “Epic” porque eso fue lo que escribió Gessin en una de las partituras de la orquestación que había compuesto. Sin embargo, cuando el 27 de Junio de 1970 se interpretó el tema en directo (una versión mejorada, incluyendo ya las partes compuestas por Geesin), en el Festival de Blues y de Música Progresiva de la ciudad de Bath, Roger Water presentó la canción diciendo:
"Pronto, esto será toda una cara de nuestro próximo álbum, y tiene un nombre tentativo el cual es The Amazing Pudding."
     (Este nombre estaba tomado del título de un fanzine dedicado a la música de Pink Floyd y hecho por sus fans).

      Pero ese título tampoco les gustaba demasiado, y siguió siendo  provisional. En Julio, la BBC invitó al grupo a aparecer en el programa de John Peel que se emitía por la BBC Radio One. La grabación se programó para el 16 de Julio, en el Paris Theater. Waters todavía no tenía un título definitivo, pero tenía que buscar uno antes de esa fecha, porque el tema iba a ser radiado para toda la nación, y Geesin le sugirió, bromenado, que a lo mejor encontraba un buen título en el periódico.

      Y eso fue lo que finalmente pasó: el último día, en el número del 16 de julio del Evening Standard, Roger Waters vio un artículo sobre una mujer que tenía implantado un marcapasos alimentado por una diminuta batería con  un isótopo radiactivo (lo que por aquel entonces se denominaba una pila atómica). La historia –que también apareció en otros periódicos como el Times- contaba que la mujer, pese a esa dificultad, había logrado su sueño de ser madre pues había dado a luz con éxito a un niño. El titular de la noticia era “Madre de corazón atómico” (Atom Heart Mother).

       Al final, la suite se editó como una única pieza de música, sin cortes, pero subdivida en seis partes, cada una con su propio título. Claro que en el vinilo no había divisiones marcadas en el disco, ni en los créditos se indicaba la duración de las mismas, así que el tema de donde terminaba una y empezaba la otra era más bien subjetivo.


     Las primera sección, llamada  Grito del padre (Father’s Shout) comienza con una nota larga del órgano Hammond de Rick Wright seguido de la sección de metal de la orquesta y luego entra el grupo. Este fragmento, que sería algo así como el tema principal, aparece varias veces a lo largo de la suite con algunas variaciones, por lo que  para la mayoría de los fans es lo que marcaba las divisiones entre una parte y otra, marcando el comienzo de una nueva sección.

     Hacia el minuto 3, suena una motocicleta, y empezaría la segunda sección, llamada Leche materna (Breast Milky) que comienza con un duo de órgano y viola, al que se van sumando instrumentos, incluye un solo de slide guitar y acabaría con el coro, hacia el minuto 5:22.

     La tercera sección, titulada algo así como “Delantera de madre” (Mother Fore) es sobre todo una sección coral de algo más de 5 minutos y con un gran peso del órgano.

     Hacia los quince minutos y medio empieza Funky Dung (algo así como “Estiércol apestoso”) que es la sección con un tono más de blues: empieza como una jam sesion de la banda, y pronto se une el coro, que realmente no canta una letra inteligible, salvo ciertos fragmentos, como uno en el que se dice "toast....coffee...yeah...."

      Poco antes de los 20 minutos, empezaría la sección más rara de todas: Mind Your Throats, Please (Cuidado con vuestras gargantas, por favor). Está llena de notas discordantes de órgano, ruidos electrónicos y de sonidos, voces y ruidos, inspirándose un poco en lo que hiceron los Beatles en Revolution Number 9. Por ejemplo se pueden escuchar voces diciendo cosas como “Este es un aviso fuerte”.

      La última sección comenzaría hacia el minuto 17:44 y finalmente, pasado el minuto 19 se oye una voz distorsionada diciendo “¡Silencio en el estudio!” y la melodía principal re-emerge entre la sección de metal de la orquesta, por lo que a esta sección, la última, la llamaron, con un juego de palabras, precisamente así, “Remergence”.

     Claro que cuando EMI editó el disco por primera vez en CD, esta tecnología permitía introducir marcas de índice entre las marcas de pistas, de forma que se podía ir directamente a una posición, ya marcada en el disco, dentro de un tema. Y la división no fue exactamente esta, sino que hicieron que la primera sección (Father’s Shout) llegara hasta el minuto 5:20, englobando a lo que serían las dos primeras con la otra división, por lo que lo que antes se identificaba con Mother Fore pasó a ser Breast Milky, lo que antes era Funky Dung  sería Breast Milky, y Mind Your Throats Please pasó a ser Funky Dung. En cuanto a la antigua Remergence, fue dividida en dos partes, pasando a ser la primera de ellas la titulada  Mind Your Throats Please.

00:00 a 02:59Father's Shout00:00 a 05:21
03:00 a 05:21Breast Milky05:22 a 10:10
05:22 a 10:10Mother Fore10:11 a 15:24
10:11 a 15:24Funky Dung15:25 a 17:43
15:25 a 17:43 Mind Your Throaths, Please  17:44 a 19:48
17:44 a FinalRemergence19:49 a Final

     Pero esto son sólo dos posibles divisiones: hay más, pero en cualquier caso si los Pink Floyd hubiesen querido dividir la suite exactamente en partes, hubiesen indicado las duraciones en los créditos.



      Seguiré contando la historia del Atom Heart Mother en este otro post.



1 comentario :

  1. Esta vez si te has pasado 3 pueblos, coleguilla. Para disfrutar el disco nunca necesité saber hasta la última anécdota de él, jejej, eres la monda enciclopédica. Que bien tienes puesto el nick :P

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